Trance Arquitectónico

Fernando Prats en Madrid Abierto

2008-02-19T14:38:00.014+01:00

Por quinto año consecutivo, se realiza en Madrid la muestra de arte publico Madrid Abierto , que esta vez produce 13 intervenciones artísticas (Andreas Templin, Guillaume Ségur, LaHostiaFineArts, Alicia Framis/Michael Lin, Anno Dijkstra, Fernando Llanos, Todo por la Praxis –Diego Peris/Rafa Turnes-, Annamarie Ho/Immi Lee, Fernando Prats, Jota Castro, Santiago Cirugeda, Dier/Noaz y Santiago Sierra), curadas por el colectivo Democracia, y emplazadas en el eje Prado-Recoletos-Castellana.

A grandes rasgos, esta muestra pretende cuestionar la manera en la que se construye el espacio publico a traves de la practica artistica contemporanea. Las grandes lineas curatoriales enunciadas por los curadores, tienen relacion con la organizacion de la ciudad y los factores que la configuran, el papel del arte en el espacio publico, y su potencial de transmitir mensajes no convencionales, y las nuevas expresiones culturales asociadas a lo urbano.

En este contexto se enmarca la instalacion del artista chileno radicado en Barcelona, Fernando Prats. Recogiendo el texto publicado originalmente en la prensa por Ernest Shakleton para reclutar gente para su expedicion a la Antartica, Prats lo reproduce con letras de neon en la fachada del edificio de la Casa America; el texto: "Se buscan hombres, para viaje arriesgado, poco sueldo, mucho frio, largos meses de oscuridad total, peligro constante, regreso a salvo dudoso, honor y reconocimiento en caso de exito", se refiere a la vez a una cierta manera de entender el proceso artistico como un viaje que se adentra en territorios desconocidos, y tambien a una realidad contingente, quizas mas politica, y que tiene relacion con los procesos migratorios, los innumerables viajes y odiseas personales de los inmigrantes anonimos que pretenden alcanzar europa, para encontrar su personal reconocimiento y anonima gloria.

El mensaje, publicado por unica vez en los periodicos de la epoca, brilla hoy con luz propia en la fachada de la Casa America, deslumbrando con su actualidad y sus resonancias.

Se trata en definitiva, de un trabajo de una sensibilidad y una agudeza sorprendentes, y que desde mi punto de vista, alcanza con creces los objetivos iniciales de esta muestra de arte urbano, en cuanto a transmitir mensajes no convencionales a traves de medios publicitarios convencionales. Felicitaciones a Prats por su trabajo, que cada vez se hace mas complejo y mas profundo.

Alfredo Jaar en la South London Gallery

2008-02-16T13:45:00.003+01:00

The Sound of Silence (2006)

Ayer se inauguro en la South London Gallery la muestra 'Politics of the Image', del artista chileno radicado en Nueva York Alfredo Jaar, probablemente el mas internacional y reconocido de los artistas plasticos chilenos.
La muestra reune una serie de trabajos de diferentes epocas, todos referidos al intenso trabajo de investigacion realizado por Jaar en torno a Africa: el primer film del artista, Muxima (2005), mostrado en el pabellon de Africa en la Bienal de Venecia del agno 2007, cuatro trabajos fotograficos realizados a partir de portadas de la revista Life referidas a Africa, y la impresionante instalacion 'The Sound of Silence' (2006), que bien merece un comentario aparte.

Una austera caja metalica instalada en medio de la galeria, sirve de contenedor para un film mudo, que cuenta la historia del fotografo Kevin_Carter , en relacion con la famosa fotografia de una nigna victima de la hambruna en Sudan, vigilada de cerca por un amenazador buitre, que gano el premio pulitzer, y que significo para el autor una permanente carga, imposible de sobrellevar. A traves de simples medios, y de una historia contada casi sin ningun tipo de elemento retorico, Jaar nos transporta a un terreno terrible, maldito, un sitio al que ninguno de nosotros quiere entrar, porque nos obliga a enfrentarnos a nuestros propios demonios. Es muy dificil acceder a este espacio y no salir de el conmocionado; es quizas una de las experiencias artisticas mas fuertes que me ha tocado vivir; lo bello y lo terrible se entremezclan en este coctel maldito que Jaar nos hace beber sin previo aviso.

En torno a la muestra se realizaran algunas otras actividades que se pueden encontar en el sitio web de la galeria.

London Calling

2008-01-22T20:47:00.000+01:00

Las partidas son duras, los cambios dificiles, sobre todo los realmente importantes. La mezcla de sentimientos es brutal: alegria, miedo, felicidad, ansiedad, euforia, tristeza...Atras en Barcelona quedan por ahora la Andrea y el Teo, por una temporada, que espero sea lo mas corta posible. Nos reuniremos en Londres cuando ellos tengan su visa, y yo haya encontrado casa. Espero que este impasse no se eternice...ya se me hace duro, y solo llevo una semana y media. El Teo cambia y crece cada dia, me apena perderme sus pequenos-grandes logros, pero por otro lado pienso que todo es para mejor, que esta situacion es momentanea mirada con la perspectiva del tiempo que nos queda para disfrutar juntos de esta ciudad increible.
Estoy muy a gusto en el nuevo despacho, la gente es encantadora, y profesionalmente sobresaliente. La primera semana ha sido introductoria, entrar en el nuevo software que se utiliza mayoritariamente aqui en UK (Microstation), pero basicamente enterandome de como se estructura el trabajo y como se organiza la informacion. Todo esta pre-definido segun estandares internacionales, desde la organizacion de los archivos, hasta la simbologia que se utiliza en los planos. Toda la informacion de cada uno de los proyectos se estructura a partir de bases de datos que son accesibles por todos los usuarios, por lo que nada puede hacerse segun a uno 'le tinque'. La organizacion y el orden son notables, un verdadero revulsivo a nuestra manera 'al lote' de trabajar y hacer las cosas. Miro, escucho, estudio y aprendo; todos mis sentidos estan al maximo.
Ya he ido entrando en algun proyecto, y posiblemente entre esta semana y la otra comenzare a trabajar en un proyecto que se inicia ahora, en la zona de desarrollo en los alrrededores del renovado estadio de Wembley. O sea, entrare por la puerta grande ;-)
Me entero en estos dias ademas, que el ultimo concurso que desarrolle entes de venirme a Londres, en el despacho de Ona Arquitectos en Barcelona, gano un premio, asi es que la verdad es que me encuentro muy contento, tranquilo y confiado.

Cambio de año/cambio de vida

2008-01-02T21:12:00.000+01:00

Uff...se acabó el 2007, y como que no quiere la cosa, el 2008 comienza con nuevos proyectos, nuevos desafíos y nuevos sueños. La llegada de mi hijo Teo, marcó definitivamente el 2007, cambiando de una manera profunda y permanente mi manera de entender el mundo y mi relación con él. En gran medida, mi desaparición del blog, responde a que mis energías estaban puestas en él, y en menor medida en mí, acostumbrandome a esta nueva vida.

Pero mi cabeza estaba también en otras partes, y en este sentido el 2008, nos pilla con cambio de trabajo, cambio de ciudad y cambio de país. Nos vamos a Londres, yo a trabajar a un despacho de arquitectura muy interesante, HTA Architects, en el cual comenzaré a trabajar muy pronto en Enero, como Project Architect, asumiendo resposabilidades en el desarrollo de proyectos de renovación urbana y proyectos de housing, principalmente, trabajando con un equipo de profesionales, en medio del barrio de Camden en Londres.

El proceso ha sido largo, desde las primeras entrevistas de trabajo por agosto, pero ya casi está todo listo, y solo falta el apretón final para que pueda empezar a trabajar; una vez allí vendrá la segunda parte, de buscar casa y trasladar a la familia...o sea, queda todavía camino a recorrer.

Llegar a Londres es la materialización de un sueño largamente acunado, desde que con mi entonces socio Alejandro Gutierrez y Alberto Gana trabajabamos juntos y soñabamos con irnos a estudiar a Londres; Alejandro llegó allí primero, estudiando primero en la LSE, para terminar trabajando finalmente en Arup. Alberto formó en Chile una existosa empresa de turismo, Latitud 90. Yo, me vine a Barcelona, a estudiar un Master, que se transformó en Doctorado, que se transformó en trabajo en distintos despachos, hasta mi último trabajo de más de tres años con Ona Arquitectos....es un camino largo para llegar finalmente a Londres, donde siento comienza una nueva etapa en mi vida, otra más, de todas las vueltas de la vida, que me sorprende, incluso hoy después de todo el camino recorrido.

Imagino nuevos desafíos, nuevos problemas, nuevas maneras de ver y entender la arquitectura. Siento que de algún modo estoy entrando en las ligas mayores, pero lo hago con la humildad del que se siente aprendiendo, con la curiosidad y la energía de algo nuevo que se empieza: mi nueva vida de familia, con mi pareja Andrea y hijo Teo, y nuestra nueva vida en Londres. Bienvenido 2008!!

Un abrazo grande para todos los que pasan por este Blog, que pronto sérá bilingue ;-) y un feliz año que se inicia.

Shared Space

2007-10-01T15:57:00.000+02:00

"La auténtica seguridad no la proporciona un semáforo; está en uno mismo" Con esta metafísica frase, que suena más a temas espirituales que a diseño urbano, el coordinador de proyectos de construcción del Ayuntamiento de la ciudad holandesa de Haren, Willem Schwertmann, da cuenta de la filosofía presente tras el concepto de Sahred Space, un proyecto europeo de planificación urbana, que promueve la eliminación de todas la señales de tráfico presentes en las calles de la ciudad, de manera que la regulación y el respeto de las normas de circulación surjan de la convivencia y mutuo cuidado de cada uno de los actores que se encuentran en los espacios públicos de la ciudad.
El pequeño poblado de Haren, de 16.000 habitantes, es una de las primeras ciudades europeas en poner en práctica este concepto, que considera, además de la eliminación de semáforos y señalíticas de tránsito, la unificación de pavimentos, eliminación de veredas, bordillos, pasos cebra, etc. convirtiendo las calles en un gran espacio uniforme, en el cual el peatón vuelve a ser el protagonista; los vehiculos deben adaptarse al nuevo ritmo dictado por los viandantes, de manera que coches , bicicletas y peatones vuelven a convivir, confiando cada uno en el otro, a través de miradas atentas y resptuosas, quitando la responsabilidad a las señales prohibitivas, y devolviéndosela a la gente. Pura democracia urbana. Puro protagonismo cívico. Esto se acerca bastante a la utopía de ciudad con la que soñamos.
(Ver artículo completo en El Pais)

Agosto Intenso

2007-09-04T23:48:00.000+02:00

Ya de vuelta de las vacaciones, tengo el tiempo mental de tratar de hacer un resumen de este último tiempo de silencio de mi blog. La verdad es que se han juntado tantas cosas, que es complicado dar cuenta de todo lo que está pasando por mi cabeza.
El próximo nacimiento de nuestro hijo Teo, nos tiene con Andrea en una especie de limbo de espera, con un nudo en el estómago (yo mas que ella, debo decir), y con una ilusión difícil de describir; a esta altura, después de varios meses de embarazo, y luego de haber ya pasado la fecha teórica de nacimiento (28 de agosto), no nos queda más que esperar, dar explicaciones a los parientes y amigos que nos llaman preguntando y?? Pero bueno, ya llegará cuando tenga que llegar.
Por otra parte, a comienzos de Agosto me escapé a Londres y a Bath, y tuve la oportunidad de juntarme en Londres con mi amigo Alejandro Gutierrez, arquitecto de la UC, al igual que yo. El se encuentra en este momento trabajando en Arup, en el desarrollo de un extraordinario proyecto en Dongtan, China. En una entrevista para la revista Wired, traducida en este articulo del blog Plataforma Urbana, pueden ver los detalles de este notable proyecto. Alejandro y su familia me recibieron en su casa en el barrio de Camden, cerca del espectacular parque de Hampsted Heath, en donde disfrutamos de un pic-nic dominguero, bajo un enorme arbol, en medio del verde. Es como estar en plena naturaleza salvaje, sólo que en medio de la ciudad; un lujo incomparable (por el paisaje y por la compañía!)

Además de Londres, estuve de paso por Bath, aproximadamente a una hora y media desde Central London; se trata de una ciudad con una extraordinaria arquitectura Georgian, cuya máxima expresión sería el Royal Crescent, construido en la segunda mitad del siglo XVIII por el arquitecto John Wood the younger. Un paseo muy recomendable, a pesar de lo caro del pasaje de tren!!

En Londres visité la Tate Modern, y me encontré con la exposición Global Cities, una especie de resumen de la muestra de la pasada bienal de arquitectura de Venecia. Analiza distintos conceptos, tales como densidad, velocidad, forma, diversidad, tomando como referencia una serie de diez ciudades contemporáneas.

Finalmente, me fui a pasear por el Museo de Sir John Soane, una visita obligada para quien disfruta de las colecciones, los gabinetes de curiosidades, los bibelots y los gadgets. Me pasé toda una tarde recorriendo libremente la casa, libre de entrada, deteniendome en cada uno de los cientos de objetos que Soane acumuló durante su vida; una maravilla para transportarse en el tiempo.

En fin, seguiré aqui a la espera. Ya habrán noticias....

Blog de Ona Arquitectos

2007-07-19T18:08:00.000+02:00

En el despacho en dónde estoy actualmente trabajando, hemos montado un blog en el cual iremos colgando periódicamente noticias relacionadas con el trabajo del despacho. Hemos partido con un par de edificios que en este momento están acabados, o a punto de acabarse, así como unas imagenes de nuestro nuevo despacho.
La idea es tener un canal de comunicación más directo e instantáneo, que permita una renovación de contenidos más flexible que el sitio Web, a la vez que poder establecer un diálogo con otros arquitectos, estudiantes y usuarios del espacio de la blogósfera, que cada vez se vuelve más importante y vital. Veremos como va evolucionando esto.

Revista CA Nº30: Patrimonio

2007-07-08T20:16:00.000+02:00

Acaba de ser publicado el nuevo número de la revista del Colegio de Arquitectos de Chile, dedicado al tema del Patrimonio. Me parece un muy valioso esfuerzo para permitir dar cuenta de que es lo que entendemos hoy por patrimonio, que es aquello que nos resulta valioso e irremplazable, y que es lo que queremos hacer con ello.
Esto es especialmente urgente en un contexto como el chileno, en el que el patrimonio no nos sobra exactamente, y en el que el escaso que reconocemos como tal carece del cuidado necesario.

Yo colaboro en este número con un artículo que se construye a partir de una serie de notas en torno al concepto de Patrimonio, y una comparativa entre la manera en la que se aborda el tema en Cataluña, y como se entiende en Chile. Es un artículo abierto, en el que se destacan ciertas estrategias que resultan fundamentales, así como ejemplos notables, tanto en Chile como en Cataluña.
Tengo la sensación que este es un tema de aquellos que anda en el aire, como bien dan cuenta las discusiones en torno al patrimonio de Valparaíso en el blog del colectivo Apariencia Pública, y también en el blog Bitácora Virtual , o las interesantes propuestas del colectivo URO1.ORG en torno a la recuperación y puesta en valor del edificio Diego Portales, ex UNCTAD.

**Las fotos corresponden a una serie de fotografías que he ido realizando de chimeneas industriales que se han mantenido en pie como una especie de testimonio del pasado industrial de Cataluña. Están repartidas por toda la ciudad, pero se concentran por supuesto, en antiguos barrios industriales, como por ejemplo Poble Nou, hoy reconvertidos a través de grandes operaciones inmobiliarias,en las que el antiguo tejido de grandes naves industriales es reemplazado por bloques de viviendas, edificios de oficinas y hoteles de diseño, firmados por grandes nombres de la arquitectura internacional. Allí quedan las chimeneas, como restos arqueológicos de un pasado no muy lejano, y que nos permiten recordar que la ciudad se encuentra en constante mutación, y que lo que ayer resultaba moderno y rentable, hoy ya no lo es. El Patrimonio se comporta de esta misma manera: lo que hoy resulta valioso, ayer no lo era, y aquello que hoy despreciamos, mañana lo hecharemos en falta.

Edificios Enfermos.

2007-06-22T10:15:00.000+02:00

Heidegger caminando en el bosque

Durante los últimos meses, los trabajadores de una serie de edificios de oficinas de última generación se han visto afectados por una extraña enfermedad denominada lipoatrofia semicircular , de la cual no se tenían mayores antecedentes. Entre los edificios afectados se encuentran las históricas torres de oficinas de La Caixa, de Francesc Mitjans y José Antonio Coderch, la recientemente inaugurada Torre Agbar , de Jean Nouvel, y la nueva sede de Gas Natural de Miralles y Tagliabue.

Gas Natural tuvo que desalojar y cerrar su recién inaugurada sede, luego que un gran número de trabajadores presentara síntomas de pérdida de grasa en la zona de los muslos y las pantorrillas, como consecuencia, presumiblemente, de campos magnéticos o electricidad estática.
Luego de un largo pleito, los sindicatos de trabajadores de los edificios afectados lograron que La Caixa reconociera la dolencia como accidente laboral leve , e impulsara a la vez estudios científicos para determinar las cusas de las dolencias.

Y existía información referente a lo que se conoce con el nombre de Síndrome del edificio enfermo , y que tienen que ver con las condiciones medioambientales de los edificios de oficinas cerrados, con sistemas de ventilación y acondicionamiento ambiental artificial, pero este nuevo sindrome no tiene nada que ver con los síntomas descritos para esta dolencia.

Es al menos paradójico que estos edificios, pensados para trabajar y producir bajo óptimas condiciones, dotados de alta tecnología en cuanto a sus instalaciones, afecten de esta manera la salud de sus usuarios. Pareciera que hay algo que no estamos haciendo bien, algo en lo que no estamos pensando. Imagino los espacios de trabajo de algunos de los maestros, como le cabanon de Le Corbusier, o la pequeña cabaña en la Selva Negra en la que Heidegger escribió gran parte de sus obras, incluido su conocido ensayo 'Construir, Habitar, Pensar'. Hay algo en la escala, en los tiempos, en los modos, que resulta completamente contrapuesto a la actual manera de entender el trabajo. Hay algo que pareciera estar completamente perdido.

Chile en la Documenta 12

2007-06-19T10:29:00.000+02:00

Este año se realiza la que quizás sea la más importante exposición de arte contemporáneo del mundo, la Documenta XII; desde el 16 de Junio, y hasta el 23 de Septiembre, la pequeña ciudad de Kassel se transforma en un escaparate privilegiado para enterarse de lo que está pasando en el mundo del arte, sus preocupaciones, tendencias, debates, preguntas y respuestas. Este año la discusión más mediática ha sido la protagonizada por el chef catalán Ferrán Adrià, invitado a participar por el curador y director artístico de la Documenta de este año, Roger M. Buergel. Los detractores alegan que un cocinero no tiene nada que hacer en una exposición de arte; los que lo apoyan, hablan acerca de la condición de arte de las innovadoras y experimentales recetas del chef. Artista o no, la verdad es que el debate ha llenado páginas de diarios, promoviendo la exposición y haciéndola llegar a un público al que probablemente nunca antes había llegado; una jugada maestra. Algunos articulos y reacciones aqui, aquí, y tambien aqui. El artista guardó secretamente su intervención, sumando expectación a la ya poco previsible participación del cocinero; el desvelamiento del misterio fue ‘sorprendente por lo simple’, según las propias palabras del chef: una Mesa Documenta en su restaurante El Bulli, en el que durante los cien días de la exposición, la organización de la feria enviará a dos comensales para que disfruten del menú degustación del restaurante ubicado en el pueblito de Roses, en la Costa Brava catalana; alojamiento, menú y desplazamiento será costeado por la Documenta; sequen sus cuentas y calculen si la inversión vale la pena; costo-beneficio que le llaman.
Y aquí la primera sorpresa: el primer invitado, el que inaugura la mesa Documenta es el artista chileno radicado en Australia Juan Dávila, que también está invitado a participar con obra en la exposición; Dávila es uno de los tres chilenos presentes en la Documenta; los otros dos son Gonzalo Díaz y Lotty Rosenfeld; y aquí la segunda sorpresa: esta última artista chilena también ha aparecido en la prensa internacional porque una brigada de limpieza borró su obra pensando que era una gamberrada; Rosenfeld reprodujo su obra “Una milla de cruces sobre el pavimento” en una calle de Kassel, pero la obra fue limpiada por unos barrenderos que no la reconocieron como tal. Vaya paradoja, la obra de arte se hace visible por su invisibilización, los desaparecidos de la dictadura reaparecen a través de un retorcido juego de casualidades y equívocos. El arte chileno se muestra al mundo a través de caminos insospechados.

Centro Galego de Arte Contentemporáneo

2007-06-04T18:57:00.000+02:00

Comentaba antes respecto a nuestro viaje a Santiago de Compostela. Pudimos visitar en esta ciudad, aparte de la Ciudad de la Cultura, antes comentada, el Centro Galego de Arte Contemporáneo, diseñado por Alvaro Siza el año 1988, y acabado el año 1993. Es una experiencia muy interesante visitar un edificio más de diez años después de su inauguración, y después de haberlo visto solo en fotografías; y lo comento porque en verdad este edificio no se entiende si no es a través de su entorno, tanto el más inmediato: el convento de San Domingos de Monaval, y el parque de Bonaval, así como el más general, es decir, el núcleo histórico de la ciudad de Santiago.

Los recorridos interiores del edificio reproducen los zizaguenates caminos y senderos del parque, que se sitúa justo detrás del edificio, y que ya desde el interior se adivina, a través de las grandes aberturas que Siza abre en los muros del museo. La luz mortecina y nublada de Santiago se cuela por las ventanas, que inundan de luz natural las diferentes salas de exposiciones.

El edificio, revestido exteriormente de piedra, está cubierto después de todo el timpo pasado, por un musgo verde, que es el mismo que recubre todos los edificios de la ciudad; de esta manera, y a través de una serie de terrazas y quiebres, el edificio se inserta en la ciudad, revalorizando su entorno, dialogando con él.
Se trata en definitiva de un notable edificio, sencillo y noble, respetuoso y silencioso, todo lo contrario del proyecto de la Ciudad de la Cultura, que antes comentabamos. Para tomar nota.

Inaugurado proyecto Toyo Ito para la Fira de Barcelona

2007-05-20T14:48:00.000+02:00

Edificio acceso y Centro de Convenciones, Zona Franca

Durante la semana pasada se desarrolló la feria de Construmat, una de las mas importantes ferias de la construcción en Europa. La verdad es que la cantidad de expositores es enorme e inabarcable, por lo que si se destina una mañana a recorrerla, lo mejor es centrarse en algún tema específico, mas que pretender rercorrerla en su totalidad. Lo interesante de este año era que se inauguraba parte de la ampliación desarrollada por Toyo Ito para el recinto de la Fira 2, en el sector de L'hospitalet del Llobregat, una zona que se encuetra entre el puerto y el aeropuerto del Prat; se trata de un barrio industrial, de bodegas y grandes almacenes, asociados la actividad del puerto y el aeropuerto. Para este recinto, se convocó un concurso internacional al que se invitó a varias firmas de arquitectos, entre otros a Abalos y Herreros, Norman Foster, Clorindo Testa o Wiel Arets. Ito resultó ganador, adjudicandose un proyecto que contempla la construcción de dos torres gemelas, que albergarán oficinas, un hotel y zonas comerciales, un auditorio, un edificio de acceso que alojará las oficinas de la Fira, pabellones de exposiciones que se suman a los existentes, y una gran rambla elevada y serpenteante que conecta todos los pabellones, a través de un recorrido de más de un kilómetro.

Banca diseñada por Toyo Ito, pasarela elevada de conexión

Pasarela Elevada

Plazas elevadas insterticiales

Este gran eje y los dos edificios de acceso y servicios en los extremos, es lo que muestro en las imágenes. Se trata de una pasarela elevada que permite conectar todos los pabellones de la fira, a los que se baja desde esta plataforma elevada, que además va construyendo unos pequeños patios, tapizados de césped artificial, en los insterticios entre la pasarela y los edificios existentes.

Edificio Acceso y oficinas Fira, Gran Via

El edificio de acceso principal, está frente a la Gran Vía, asociada a una estación de tren recientemente inaugurada, a unos metros del acceso. Se trata de un edificio de formas curvas, en el que llama la atención las columnas muy esbeltas, que se apoyan en una especie de fuente brillante de luz, que produce un efecto bastante dramático. En el exterior, unas columnas arbóreas sostienen una cubierta plana, que se recorta a través de formas nuevamente curvas. Las referencia naturales se refuerzan con una fuente de agua exterior, que dispara chorros en múltiples direcciones. En definitiva, se trata de una operación, que a través de una sensible y simple intervención, Toyo Ito transforma este paseo funcional, lleno de hombres de negocios encorbatados, en una experiencia refrescante, en medio de un barrio árido y poco amigable.

*Créditos Fotográficos: José Quintanilla Chala

Exterior Edificio acceso y fuentes de agua

Boda en Santiago....

2007-05-17T14:53:00.000+02:00

....de Compostela. Estuvimos este fin de semana recién pasado pasando unos dias en Galicia, para asisitir a la boda de una amiga nuestra. Estuvimos desde el Jueves hasta el Lunes, paseando, comiendo y bebiendo albariño...impresionante.

Los días estuvieron lluviosos y grises, pero la verdad es que la ciudad es aún más impresionante con este clima. Todos los edificios tienen una pátina verde de musgo que da cuenta del paso de los años y del clima lluvioso y húmedo que es característico de esta zona. La verdad es que es como estar en Valdivia, o Temuco....

Desde la ventana del piso de nustra amiga donde nos alojamos en Santaigo, podían ver a lo lejos, las torres de Hejduk, que forman parte del impresionante proyecto de la Ciudad de la Cultura diseñado por Eisenman. El último tiempo se ve que se ha producido un intenso debate respecto al uso que este enorme conjunto de edificos tendrá, para lo cual se convocó a una especie de 'junta de sabios', que dieran algunas pautas para la gestión del conjunto, que se ve ha costado una cantidad impresionante de dinero. El proyecto estuvo detenido durante un largo tiempo, y ahora último se ha puesto en marcha nuevamente, aunque su futuro es bastante incierto. Hay que hacer notar que Santiago es una ciudad pequeña, por lo que no se entiende del todo el tamaño descomunal del conjunto.

Fotografía de las torres, tomada del sitio Web de la Fundación Ciudad de la Cultura

Quisimos entrar al sitio de las obras, en lo alto de un cerro que domina la ciudad, o al menos acercarnos para hacer algunas fotos, pero todo está muy vigilado, me imagino que para evitar o controlar las miradas, ya que como he comentado, el proyecto levanta agrias polémicas.

Llama la atención en Galicia el paisaje rural, verde, verde, muy verde. Llaman la atención también unas pequeñas construcciones que se repiten en casas antiguas y también nuevas. Pregunto de que se trata. Me dicen que son hórreos , antiguos almacenes para guardar múltiples tipos de cosas, desde leña hasta legumbres o herramientas del campo. Se levantas del suelo a través de unos postes, que evitan escalen roedores, a la vez que elevan la estructura, que al ser calada, permite el paso del viento. Hay de múltiples formas y acabados, y lo curioso es que incluso las casas de nueva construcción las incluyen, no ya con un uso específico, sino como simbolo de status.

Sant Jordi en la ciudad

2007-04-24T15:23:00.000+02:00

Ayer se celebraba en Barcelona la Diada de Sant Jordi , patrono de la ciudad. Es una celebración en la que se acostumbra regalar libros y rosas, que se pueden encontrar en múltiples lugares repartidos por toda la ciudad. Los escritores suelen firmar sus libros en chiringuitos montados frente a las librerías, principalmente del Paseo de Gracia o la Rambla de Catalunya. Es un dia, en el que a pesar de ser un dia de trabajo, se respira un aire festivo en toda la ciudad. Este dia se ha transformado también en un dia de reclamo nacionalista, y la bandera de Catalunya (la Senyera) ondea en muchisimos balcones.

Por esto, salí mas temprano del despacho, y me fui en mi bicicleta por la avenida Diagonal, a respirar un poco de aire catalán. Andaba con espiritu distraido, mirando las fachadas de los edificios de esta avenida, muchos de ellos verdaderamente notables, y me detuve a mirar el edificio de La Illa (la isla), de Moneo y Solá-Morales, uno de mis edificios favoritos de Barcelona, y me di cuenta de un detalle en el que no había reparado en este edificio lleno de detalles: los cercos de las ventanas de acero inoxidable, que a esta hora de la tarde, reflejaban la luz del sol poniente...era una bonita vista, que comparto con vosotros, a modo de celebración del dia de Sant Jordi.

Zona B: Los márgenes de Europa, en la Fundación Tapies

2007-04-20T15:17:00.000+02:00

El fin de semana pasado pude visitar la extraordinaria exposición "Zona B. Los márgenes de Europa", en la Fundación Tapies, comisiarada por Nuria Enguita y Carles Guerra. Se trata de una muestra que incluye vídeos e instalaciones, elaborados por las artistas Ursula Biemann, Oktay Ince, Angela Melitopoulos , Lisa Parks , y el colectivo VideA .
Los artistas entran en un territorio al que llaman Zona B, en la zona de los Balcanes, Turquía y el Cáucaso, denominada de esta manera en relación a lo que sería la Zona A, costituida por la Europa tradicional; es una zona de cruce o encuentro entre Europa, las antiguas repúblicas Soviéticas y el mundo Árabe. Los artistas se adentran en un lugar en el que las fuerzas políticas y económicas están dando lugar a transformaciones de las geografías sociales, políticas e intimas, de un modo completamente desconocido e ignorado. Si bien lo que llega a nosotros son los grandes titulares de la prensa económica, las fusiones de grandes transnacionales, la construcción de grandes infraestructuras, esta exposición pone acento en las historias mínimas e íntimas que estas decisiones desencadenan.
A través de un registro visual impresionante, se da cuenta de pueblos desplazados, de nuevas estrategias de supervivencia, de grupos sociales marginales y marginados, de micro-economías que surgen en torno a las nuevas actividades económicas.
Así por ejemplo, el trabajo de Ursula Biemann, The Black Sea Files, es una serie de videos-registro, de la construcción del oleoducto BTC, Bakú-Tiflis-Ceyhan, que la artista ha ido recopilando a lo largo de varios años; parte de su trabajo se encuentra recopilado en el sitio Geobodies .

La otra instalación a la que me gustaría hecer referencia, de la misma artista, titulada "Contained Mobility" (movilidad contenida), muestra dos videos proyectados en paralelo: en el primer video, se muestra la pantalla de una sala de control informatizado, y muestra lo que podemos adivinar se trata de un sistema de control de un puerto, en el que se tiene un registro exacto y en tiempo real de cada uno de los barcos y las mercancías que se mueven en el puerto; el otro video, muestra a modo de video captado a través de una web-cam, la habitación de un personaje, cuyo testimonio vamos leyendo en un texto que va apareciendo por partes: se trata de un auto exiliado de la antigua rusia, que ha tratado infructuosamente en los últimos años de ser reconocido como refugiado en alguno de los paises de la comunidad europea; de esta manera, a pasado por distintos centros de acogida, para ser luego deportado, y volver a intentar ser acogido en otro país; mientras tanto, ha logrado obtener un grado de doctor, así como aprender varias lenguas. Queda de esta menera manifiesta de que manera las actuales políticas sobre inmigración, dan lugar a espacios de transito, en los márgenes de la territorialidad específica de cada país, generando una paradójica "movilidad contenida" en estos espacios controlados y delimitados.

En definitiva, creo que se trata de una exposición extraordinaria, que para aquel que no pueda visitarla, al menos sepa de los esfuerzos de algunos artistas en desvelar aspectos oscuros de la realidad globalizada.

Sitio Web Historia en Obras

2007-03-30T14:57:00.000+02:00

Este sitio web, recientemente colgado, reúne los mejores trabajos producidos en las asignaturas Historia del Arte y la Arquitectura II y III, en la Escola Tècnica Superior d'Arquitectura de Barcelona, dictadas por el profesor Fernando Álvarez Prozorovich (que entre otras cosas, ha realizado el proyecto de rehabilitación de La Ricarda , obra de Antonio Bonet, junto a Jordi Roig). Se trata de obras emblemáticas de la arquitectura del siglo XX, redibujadas, analizadas y comentadas, y con una abundante bibliografía referida a cada obra. Los dibujos y maquetas resultan de esta manera, instrumentos de investigación, de análisis y comprensión, una manera de re-construir poéticamente las obras, dando nuevas luces y significados a las ideas originales que dieron forma a los proyectos estudiados.
Es un sitio que se plantea la historia como una "historia en construcción", con lo cual se apunta a un trabajo colaborativo con otras escuelas de arquitectura, otros portales similares o bien con estudiantes que quieran colaborar con sus trabajos a la base de datos en construcción, de manera de aglutinar los esfuerzos realizados por otros.

Se trata en definitiva, de un esfuerzo muy destacable, y que puede ser de gran utilidad a estudiantes, académicos e investigadores en general.

Un saludo a Fernando por su esfuerzo.

Nitrato de Chile

2007-03-05T19:14:00.000+01:00

Todos los dias Lunes, llendo hacia la obra que estamos construyendo en Igualada, me cruzo con este cartel, que se ha quedado allí desde, por lo menos, los años veinte del siglo pasado. Se sitúa en una zona agrícola, hoy más bien industrial, en las afueras de Barcelona. Está hecho de azulejos pintados, y en él se lee: "Abonad con Nitrato de Chile". Curioso testimonio de otro tiempo, en el que se abonaba con salitre natural, y Chile era un productor destacado. Pues nada, es algo trivial, pero que me hace viajar a otro tiempo y otro lugar cada Lunes.

Carolina Saquel en el Espai 13

2007-02-27T15:38:00.000+01:00

La artista y videista chilena Carolina Saquel exhibe en el Espai 13 de la Fundación Joan Miró , de Barcelona, como parte del ciclo Pigmentos y Píxeles, producido por Le Fresnoy, Studio National des Arts Contemporaines, y comisariado a cargo de Pascale Pronnier y Marie-Thérèse Chapesme.
La muestra de vídeos, titulada La Catástrofe es amarilla, se presenta como una reflexión de la artista respecto al espacio pictórico de Miró, la renuncia a la ilusión de profundidad y perspectiva, así como la noción de “vacío” en la obra del pintor catalán.
Saquel nos presenta una serie de vídeos, para los cuales toma prestados los títulos de obras de Miró, y que retratan un muro invadido por la vegetación; se trata de grandes paños verdes en los que aparentemente no pasa nada; la artista se pregunta “sobre el modo de encontrar el movimiento en la inmovilidad y el punto de parada en lo que es de naturaleza móvil”. Esta aparente inmovilidad desaparece en el momento en el que nos detenemos a mirar con más detalle las obras, de modo que el plano verde homogéneo y continuo, se nos transforma en una superficie con múltiples matices, en la que además el sutil efecto del viento, produce una vibración que hace que el plano neutro transmute en una superficie viva y llena de movimiento. A este efecto se suma un sonido de fondo, que registra el sonido de una tormenta que se adivina viene en camino, produciendo una especie de sensación que “algo” está por pasar.
La cita de Wittgenstein que nos recibe en la sala, refuerza esta sensación: “Escucho el viento; se oye como un presagio. La lluvia, tal vez. El viento prepara su llegada y podría ser algo mas bien fatal. No sé qué. Puede que no sea nada. El viento es señal de alguna caída”.
La idea de lo inevitable, del presagio de algo que está al caer, el oscuro retrogusto tan presente en las películas de Lynch, aparece en los vídeos de Saquel, esa sensación de que aparentemente detrás de esta “nada” desprovista de connotaciones, se esconde una realidad que se nos escapa, y a la cual sólo accedemos a través de fugaces chispazos que nos revelan las inquietantes imágenes de la artista.
En definitiva se trata de unos vídeos impecablemente producidos, que representan un estimulante desvío dentro del recorrido de la muestra del maestro Miró.

Inoxidable Neopop en Barcelona

2007-01-31T12:19:00.000+01:00

vista general galeria

Ha recalado en Barcelona, el colectivo de artistas chilenos Inoxidable-neopop , luego de sus exposiciones en la sala Gasco (Santiago de Chile), y la Galería Braga Menéndez (Buenos Aires).
Inoxidable se plantea como una especie de método de investigación, que recoge por una parte, la tradición popular de las artes y la gráfica chilena, a la que se suma el trabajo realizado en los lugares de exposición, con artistas locales, contactados a través de los curadores de las galerías de cada lugar de exposición, y que exhiben cierta afinidad con los artistas chilenos del colectivo.

al centro: obra de Victor Castillo

En el caso de Barcelona, el lugar de exposición es la Galería Iguapop, en el barrio del Borne; esta galería cuenta con artistas tales como Boris Hoppek, Stanley Donwood, o el espectacular chileno Victor Castillo, parte del colectivo Inox. En definitiva, se trata de una galería muy acorde al trabajo que han venido realizando los artistas inox, que involucran elementos provenientes de la gráfica, el graffitti, la ilustración y el cómic.

La muestra de barcelona es heterogénea, barroca, intrincada y profunda. Está compuesta por múltiples capas superpuestas, que permiten hacer un zoom en cada rincón, descubriendo nuevos detalles, nuevas referencias, nuevos chistes y significados; es una muestra que por momentos nos abruma, pero que mantiene un tono que nos permite recorrerla con una sonrisa en los labios. Los artistas de Inox disfrutan con su trabajo, y esto se adivina y se transmite. Es un tipo de arte, que sin transformarse en trivial, se aventura por terrenos generalmente considerados 'poco artísticos' ; y es justamente esta falta de prejucios, el máximo valor de esta muestra, que bien siendo heterogénea en cuanto a la calidad de las obras, en su conjunto se transforma en un trabajo valioso y destacable.

Podéis visitar el Blog del colectivo, que es de dónde provienen las imagenes del post; allí encontraréis más imagenes de la muestra, de la inauguración, y de las muestras de Buenos Aires y santiago de Chile.

Escuchado el 2006

2007-01-31T12:08:00.000+01:00

Estamos a comienzos de año, y como corresponde, es el momento de hacer listas; esta viene un poco tarde, pero como ya se está transformando en una especie de tradición con algunos amigos, la publico de todos modos. Aqui va mi lista, sin orden de preferencias, que como verán incorpora algunos discos "antiguos" del 2005, e incluso alguno del 2004 (finales, eso si), que creo que vale la pena rescatar, asi como unos Bonus tracks del recuerdo y un adelanto del 2007.
Pues nada,a disfrutar de la musica y del nuevo año!!

1. Fujiya & Miyagi (Tirk, 2006) Transparent things
2. Kenneth Bager (Shhh! Records 2006) Fragments from a space cadet
3. Lindstrom & Prins Thomas (Eskimo, 2005) Lindstrom & Prins Thomas
4. Peter Bjorn & John (Wichita, 2006) Writer's Block
5. Slagsmalsklubben (Djur and Mir, 2004) Sagah Om Komungens Arsinkomst
6. The Knife (Brille, 2006) Silent Shout
7. The Radio Dept. (Track & Field, 2006) Pet Grief
8. Trentemoller (Poker Flat, 2006) The last resort
9. Who mede Who (Gomma, 2005-2006) Who made Who, Green versions
10. Art Brut (Fierce Panda, 2005) Bang Bang Rock&Roll
11. Ellen Allien & Apparat (Bpitch control, 2006) Orchestra of bubbles

Bonus track del recuerdo
i. Echo and the Bunnymen (London, 1985) Songs to learn and sing
ii. Modern English (Warner Bros. Wea, 1981) After the snow

Adelanto temporada 2007
a. Nine Horses (Samadhi Sound, 2007) Money for all

Pues nada, a disfrutar de la musica, y aquel que tenga alguna lista por alli de música innovadora del año recién pasado, que me la haga llegar!

Arquitectura e Interioridad en “Ciudadano Kane” de Orson Welles

2006-11-11T20:00:00.000+01:00

Quiero comenzar con este post, una serie de pequeños artículos referidos a algunas peliculas que tocan temas que tienen que ver con la arquitectura. Me referiré especialmente a algunos films de comienzos del siglo veinte, que conformaron un género que se conoce como Sinfonías de la Ciudad, y cuyo representante más célebre es "Berlín, Sinfonía de una Ciudad", de Walter Ruttman.
Sin embargo, iniaciaré esta serie con un comentario del Ciudadano Kane , porque hace tiempo que me viene dando vuelta en la cabeza, y para contradecirme a mi mismo respecto a lo que acabo de decir antes...para que no suene todo tan serio.

Siempre me ha llamado la atención la innumerable cantidad de referencias arquitectónicas presentes en la película de Welles, partiendo por el gran palacio en el que habitaba el protagonista, Charles Foster Kane, el mítico Xanadú.
Citizen Kane fue filmada en 1941 por Orson Welles, quien también protagonizó el film. Representa sin duda, una de las películas más importantes de la historia del cine, y sus sobrados méritos cinematográficos han sido mas que estudiados.

Pero yo me voy a centrar en un par de temas que me interesan:
- El primero tiene que ver con el abandono de la ciudad por parte del protagonista, y su reclusión en un mundo interior de fantasía e irrealidad.
- El segundo tema, que está íntimamente relacionado con el anterior, tiene que ver con el coleccionismo y la acumulación de objetos en este interior.

La Emigration Intèrieure: la casa como santuario.
A principios del siglo XIX, y tal como lo describe el sociólogo Richard Sennett en su libro “La Conciencia del Ojo”, se desarrolló un fenómeno, conocido como emigration intèrieure, en el que un grupo de jóvenes aristócratas franceses se trasladó a vivir en las afueras de París, huyendo de una ciudad que les resultaba incómoda. Este malestar respecto a la ciudad es característico de la sociedad de fines del diecinueve, y según mi modo de ver, explica en gran medida la dinámica del personaje de Kane en la película de Welles.

Kane se construye un fastuoso castillo infranqueable en la cima de una colina, un lugar de ensueño, mitad realidad, mitad irrealidad, en el que acumula todos los estilos exóticos conocidos, y despliega un mundo de fantasía que le permitiera aislarse de un mundo exterior que le resultaba cada vez más ajeno y agresivo. Kane había forjado su fortuna en el negocio de las comunicaciones, quizás uno de los paradigmas de los negocios modernos. Sin embargo, este mundo se le va haciendo cada vez más lejano, y termina finalmente volviéndose en su contra, destruyendo aquello que más quiere: es la propia prensa la que se encarga de destruir la carrera artística de su segunda esposa, a pesar de toda su influencia, su poder y su dinero.

Xanadú, que ese es el nombre de la mansión, hace referencia al famoso palacio del emperador chino-mongol Kubla Khan, mencionado en el también célebre poema del poeta romántico inglés Samuel Taylor Coleridge, Kubla Khan:

In Xanadu did Kubla Khan
A stately plesure-dome decree:
Where Alph, the sacred river, ran
Through caverns measureless to man
Down to a sunless sea.

Xanadú representa un símbolo de ostentación, esplendor y abundancia: Veinte mil toneladas de mármol, un parque privado con cancha de golf, un zoológico lleno de exóticas especies, múltiples canales emulando a Venecia, con góndolas incluidas. Un interior lleno de esculturas, pinturas y objetos de arte; en definitiva, un entorno cerrado, autónomo y excluyente, a través del cual aislarse y desconectarse del mundo exterior. La casa se transforma de esta manera en una especie de santuario laico, imagen que es reforzada a través de la propia arquitectura interior del palacio, que nos recuerda reiteradamente una iglesia, con grandes arcos y vidrieras con vitrales.

Bibelots, gadgets y objetos de arte.
Kane colecciona y acumula objetos de arte, porque ellos representan una conexión con nuestro pasado, nuestra memoria y nuestras tradiciones. Los objetos nos completan, nos representan y reafirman nuestra individualidad. El mundo interior se convierte de esta manera en un mundo ordenado y controlado, en contraposición al caos y el desorden del mundo exterior.

Me llama especialmente la atención la monumental chimenea que aparece en algunas escenas de la película, así como el plano de Kane reflejado en los espejos, después de ser abandonado por su segunda esposa. La chimenea es aquel elemento que representa justamente el hogar, el calor del fuego, la intimidad, el refugio protegido del frío que trata de colarse desde el exterior. Y si a esto sumamos además el espejo, se construye lo que Baudrillard reconoce como el más extraordinario resumen simbólico de la domesticidad burguesa. El espejo representa un papel ideológico de redundancia, multiplica la ya recargada interioridad, juega con la apariencia y los bienes de la persona burguesa, y se rodea a sí mismo de un recargado marco, que viene a sumarse a la multiplicidad de estilos repetidos hasta el infinito en los reflejos.

Sin embargo, estos objetos no son capaces de llenar el vacío existencial representado por el enigma de “rosebud” , aquel trineo de la infancia que se quema al final de la película, representando a través del humo negro, la disolución de este mundo infantil irremediablemente perdido. La acumulación de objetos se nos presenta en toda su monumental inutilidad a través del los impresionantes planos de cajas apiladas, cuando la mansión de Kane está siendo desmontada. La acumulación sin sentido de un mundo materialista que nos obliga a rodearnos de objetos inútiles, que si alguna vez tuvieron algún sentido, lo pierden totalmente al morir su propietario.

La B de Auschwitz

2006-10-25T15:10:00.000+02:00

Puerta con inscripción en Campo de Concentración Sachsenhausen, Berlín. Foto por: Jpatokal, en Wikipedia.

El otro dia, a propósito del inquitante nick de un usuario de Soulseek : "arbeit macht frei", he entrado en wikipedia, para ver si había alguna información adicional acerca de este lema (algo así como: el trabajo nos libera, o nos hace libres), presente en los accesos de varios campos de concentración nazis. Y ha aparecido un detalle, en el que nunca me había detenido, y es que en Auschwitz , uno de los campos de concentración en los que los que los prisioneros allí llevados podían leer este lema en la puerta de acceso, tiene una letra, la B, invertida.

Lema en puerta de acceso de Auschwitz, con la B invertida. Foto de Wikipedia, por Wulfstan.

He leído bastante literatura acerca de los campos de concentración nazis, ya sea testimonios, novelas gráficas (como la notable Maus , de A.Spigelman), o bien novelas, que hablan acerca de esta experiencia inefable. Y una de las cosas que más me han impresionado, es cómo aspectos mínimos, corrientes y superfluos, adquieren una dimensión monstruosa, en el contexto abominable de deshumanización que tuvo lugar en estos campos. Y es desde esta perspectiva que me ha impresionado este mínimo detalle de la B invertida, pensando primero, en la cruel ironía de este lema, el trabajo nos hará libres, dirigido a seres humanos que en gran medida murieron realizando trabajos forzados, sin casi comida y agua, y en unas condiciones sanitarias inexistentes, si es que no fueron asesinados directamente en cámaras de gas. Y luego, en como la vista de estos prisioneros posiblemente se detenía en esta letra, primero con curiosidad, luego con indiferencia, y finalmente, con un profundo desconsuelo, al imaginar en esta letra torcida una cruel metáfora de una vida invertida, descolocada, sin significado, apretujada dentro en una frase grandilocuente que ya nada tiene que ver con la indignidad del trabajo inútil. Es un accidente trivial, que hoy representa una anécdota, pero que en ese otro contexto se transformaba en un espantoso recordatorio que lo trivial y lo anecdótico no pertenecía a aquel oscuro territorio.

Basho: La región salvaje

2006-09-23T20:26:00.000+02:00

Vista General Instalación

Durante los meses de mayo y Junio, el artista chileno residente en Barcelona, Fernando Prats, presentó la instalación Basho: la región salvaje, en el marco de las Jornadas Alois M. Hass 2006, Mística y pensamiento contemporáneo, en la Universidad Pompeu Fabra, Barcelona. Tuve la oportunidad de colaborar en el montaje de esta instalación, y luego estar presente durante su inauguración, y desde esta doble condición de cercanía y distancia, es que me permito realizar algunas observaciones muy personales.

Vista General Instalación

En esta instalación, Prats reúne una serie de trabajos anteriores, dándoles un nuevo significado relacionado con el concepto de Basho o Región Salvaje. No pretendo dar un significado cabal de lo que este concepto abarca, pero valga como explicación algunas observaciones del propio Alois Haas: “El término basho fue central en el pensamiento del filósofo japonés Kitarô Nishida (1870-1945) y expresa el lugar de la “experiencia pura”, allí en donde la conciencia alcanza su fundamento más profundo y que su discípulo Shizuteru Ueda ha puesto en relación con “la región salvaje” de Maurice Merleau-Ponty”.
Ueda fue uno de los invitados a las jornadas Alois Haas, y fue él quien de una manera muy peculiar, inauguró la instalación: al ser invitado por el artista a realizar alguna intervención sobre las láminas de humo sin fijar dispuestas en el suelo, Ueda dibujó en primer término un círculo, y luego un cuadrado y un triángulo inscritos en él; el círculo para Ueda representa la figura geométrica fundamental, la que contiene a todas las otras, y representa, en este sentido lo uno y el todo a la vez; después de realizar estos dibujos, Ueda se descalzó y entró caminando hacia el centro de la instalación, hacia el centro de la región salvaje, para contar desde allí, una experiencia personal que trataré de resumir: Ueda contó que cada mañana, en su casa en Japón, sale al patio, en dónde existe un gran árbol; cada mañana se para frente a este árbol y describe frente a él un círculo con sus brazos, un circulo que en su trayectoria envuelve la totalidad del árbol; hay días en que no sopla viento, y las hojas del árbol están muy quietas, y se distingue a través de ellas el azul profundo del cielo; hay días en los que el viento sopla con fuerza y mueve vigorosamente las ramas y las hojas del árbol; hay veces que repite este ritual de noche, para ver las estrellas a través del follaje. A todo esto Ueda lo llamó su círculo personal; lo que me pareció notable, es que Ueda transmitiera estas reflexiones desde el centro de la instalación, desde el centro de la región salvaje; Ueda habla desde un lugar que representa a Oriente entrando en Occidente, tal como se refiere la cita del Maestro Eckart (1260-1328), citada en el catálogo: “También entre nosotros exista el dicho: elimina el tiempo, y Occidente es Oriente” .
La pregunta que plantea Ueda es: “Es posible recuperar la propia naturaleza salvaje? Si eso fuera posible, no sólo revitalizaría nuestra propia cultura sino que nos permitiría, por vez primera, comunicarnos verdaderamente con las demás culturas; nos serviría de fundamento sobre el cual podría tomar forma una nueva cultura mundial. Como sugiere el término región salvaje, se trata de una región no contaminada por nuestra propia cultura, una región con la que entramos en contacto sólo después de haber atravesado los duros caparazones de nuestras formas culturales”. Con este gesto simbólico de adentrarse en la obra, gesto que por lo demás, para algunos resultó ofensivo (las obras de arte son intocables), Ueda le dio un giro a la obra, destruyendo sus distancias y transformándola en un lugar desde el cual tender puentes y trazar relaciones.
Es muy notable también la manera en la que la naturaleza se presenta, primero a través del relato de Ueda (el árbol, el viento, el cielo, las estrellas), y finalmente, a través de las propias huellas que el filósofo deja tras de sí; Prats ya había trabajado en algunas obras en base a las huellas y rastros de insectos sobre humo sin fijar, así como del arbitrario dibujo de ramas movidas por el viento; lo sorprendente es que las huellas de Ueda se sumaron a las huellas de los insectos nocturnos que dejaron sus marcas durante la noche, en una especie de acción no prevista por el artista, pero que en definitiva viene a dar un sentido aún mayor a las huellas de Ueda, y al propio trabajo anterior de Prats.

Huellas insectos

Otra cosa que me llamó la atención, y que me parece digna de mencionar en este post, es que paralelamente a la muestra de Prats, se realizaba en La Pedrera, una exposición del artista ruso Kasimir Malevich (Kiev, 1878-Leningrado, 1935). La obra de Malevich se caracteriza por una búsqueda de lo esencial, la destrucción del mundo objetivo para dar lugar al único mundo posible, el del abismo del ser (ver artículo de Antoni Marí en el suplemento Culturas, de la Vanguardia, 07 de Junio de 2006). Lo que me llamó especialmente la atención fue la reproducción de uno de sus famosos cuadros, “Cuadrado negro sobre fondo blanco”, en el que se aprecia un notable deterioro de la pintura negra, por lo que es posible apreciar a través de las grietas, el fondo blanco del cuadro. Una de las últimas series de Prats corresponden a pinturas de humo sobre óleo, sobre las cuales se hacen caminar gusanos, los que van dejando un rastro de color al quitar el humo sin fijar. A pesar que los métodos son muy distintos, intuyo una resonancia muy grande en ambos trabajos, un desplazamiento hacia nuevos territorios de representación pictórica, un territorio en el que el artista es una especie de vehículo para que el espectador realice una especie de viaje hacia esta región salvaje, un tránsito hacia territorios oscuros y despojados, una especie de misticismo laico, que va más allá de temas puramente religiosos.

Fernando Prats se encuentra en este momento en el norte de Chile, realizando un proyecto que considera realizar obras a partir de las huellas dejadas por la erupción de los geysers en láminas de humo sin fijar, en una especie de nueva vuelta de tuerca en esta búsqueda de nuevas maneras de relacionar arte y naturaleza; según las palabras del propio Prtas: El proyecto busca capturar la fuerza de los geysers y atraerla hacia la superficie pictórica, dando origen a una nueva percepción re- generadora del lenguaje en la pintura.
Estaremos atentos a estos nuevos proyectos. Mas información sobre Fernando Prats, en este link . También acerca de la exposición Del Cardener a la Antártida , en el Museo de Bellas Artes de Chile, el año 2004.

Soundtrack de la semana

2006-09-22T11:31:00.000+02:00

He aqui algo de la musica que he estado escuchando el ultimo tiempo...hay extrañamente una profusión de grupos suecos...en todo caso, daros una vuelta por el sitio de last.fm , que para los melómanos es una verdadera delicia.

Preferimos ser buenos a ser interesantes

2006-09-10T15:31:00.000+02:00

Apareció hace un par de semanas, en el suplemento cultural Babelia , del diario El País, una interesante entrevista al arquitecto holandés Felix Claus, en la que se refiere al actual carácter mediático de los arquitectos estrella, la genialidad, la relación entre la arquitectura y la ciudad, el espacio público y el rol del arquitecto. En definitiva, un punto de vista que va un tanto a contrapelo de las actuales aspiraciones de los arquitectos en general.

La Desaparición

2006-09-06T19:24:00.000+02:00

Ufff...cuanto tiempo ha pasado y yo sin publicar nada en el blog...entremedio las vacaciones, que este año nos llevaron (a mi y Andrea (mi pareja)), a la zona de Los Alpes franceses. Estuvimos primero en Grenoble, una pequeña ciudad que fue nuestra puerta de entrada a esta zona de Francia, llena de parques naturales, lagos y paisajes espectaculares. Desde allí partimos a Annecy, una ciudad a las orillas del lago del mismo nombre; es muy notable en esta ciudad la integración de la naturaleza en el trazado urbano, tanto por la incorporación del agua del lago al trazado de la ciudad antigua, a través de canales, así como la apertura de la ciudad hacia el paisaje a través de notables y amplias areas verdes, y también la urbanización de la orilla del lago a través de paseos peatonales, ciclovías y áreas de baño y deportes náuticos. En definitiva, un notable ejemplo de una ciudad verde, con una calidad de vida más que notable.
Luego seguimos viaje hacia Chamonix-Mont Blanc, una ciudad de montaña, con una sorprendente actividad de verano; desde allí pudimos hacer caminatas y disfrutar de las vistas del Mont-Blanc desde las impresionantes instalaciones de L'Aguille du Midi.
Finalmente nos fuimos a Lyon, en donde pudimos disfrutar comiendo en un espectacular 'Bouchon' del barrio de Sant Paul, y desde allí volvimos a Barcelona.
Pues eso, un apretado resumen, para volver al ruedo, y no perder la costumbre.

Por otra parte, me han publicado un artículo, escrito con/y en base a los trabajos e instalaciones realizadas por el arquitecto Sebastián de la Fuente. El artículo se llama 'Tapando Hoyos', y ha sido publicado en el Vol.3 de la revista Spam_Arq . Pues eso. De vuelta al curro, de vuelta al blog....

Pedro Prado y los Ensayos sobre Arquitectura

2006-06-02T17:39:00.000+02:00

Pedro Prado fué un personaje absolutamente multifacético: escritor, poeta, pintor, coleccionista, ensayista y arquitecto. Sin embargo, su trabajo como arquitecto es prácticamente desconocido, a pesar de haber escrito múltiples ensayos y de haber diseñado o participado en un gran número de obras. El artículo que he escrito en torno a los Ensayos sobre Arquitectura, y recién publicado en el sitio www.critica.cl , pretende dar a conocer este aspecto desconocido de este personaje, que desde mi punto de vista, representa un modelo de intelectual curioso, desenfadado, riguroso y vital, virtudas todas tan necesarias y escasas.
En este artículo se hace referencia a la imagen de Prado que publico aquí en el blog, y que no ha sido incluida en el artículo. Pues eso. Solo agradecer a los editores de Critica.cl por haber considerado mi artículo.

LA ESTETIZACION DEL TERROR: La Arquitectura del Tercer Reich

2006-05-25T13:54:00.000+02:00

En torno a las “Memorias” de Albert Speer
Traducción de Ángel Sabrido, revisada por Rosa Sala.
El Acantilado. Barcelona, 2001
936 pp.

Reseña originalmente publicada en la revista 'El Contemporani',
Número Enero-Junio 2002, Barcelona.

Albert Speer se refiere a sus edificios como profundamente políticos, cargados de una voluntad de poder y sumisión; pero a la vez, los considera como una muy particular prolongación de los deseos de Hitler, esto es, la materialización de su sueño demencial de dominio absoluto. Es la estetización de la política, y en este caso, de la política más brutal, la del Tercer Reich. Vista desde esta perspectiva, la escala expresada en los proyectos de Speer para Berlín, construidos sólo en parte, adquiere una dimensión grotesca y espeluznante: el gran Palacio de los Foros Populares de Berlín estaba pensado literalmente para aplastar a todo aquel que se encontrara bajo su cúpula de doscientos veinte metros de altura y doscientos cincuenta metros de diámetro.

El gigantesco Palacio de los Foros Populares había estado alojado en la mente de Hitler desde mucho antes de transformarse en canciller, lo que demuestra la confianza absoluta con que urdía su propio destino. Berlín sería la nueva Roma, la gran capital del imperio del Tercer Reich; pero la imagen referencial es deformada, desescalada, manipulada y distorsionada, hasta convertirla en una suerte de fotocopia ampliada, despojada de su verdadero vínculo con el original, creando una especie de nueva mitología urbanística que pretendía fundar un nuevo orden a través de su seudo-validación por parte de un pasado fraudulento.

La estetización de la política y los prolegómenos de la manipulación de las masas tienen lugar en la arquitectura de Speer, como por ejemplo en la tristemente célebre Catedral de la Luz (1937). Pero también en los filmes de Leni Riefenstahl, quien entre 1933 y1935 se dedicó a dejar registrados en tres películas los congresos de Núremberg. De todas ellas, El Triunfo de la Voluntad (1934) es probablemente la que más claramente muestra la ambición de manipulación político-mediática del régimen nazi.
Y ésta es justamente la actualidad de estas memorias, las que además de ser una crónica muy detallada del Tercer Reich y contar en primera persona los entretelones de la vida llevada por el grupo de cortesanos mas cercanos al führer, nos remite a los orígenes de lo que hoy ya nos resulta cotidiano: la estetización de la política y la banalización por parte de los medios de comunicación de los horrores de la guerra. Como ha observado el arquitecto francés Bernard Tschumi: una forma general de estetización ha tenido lugar, perpetrada por los medios de comunicación. Del mismo modo que el bombardero Stealth se estetiza al televisarse sobre una puesta de sol de Arabia Saudí…así sucede que toda la cultura actual, y esto incluye por supuesto a la arquitectura, se estetiza, se fotocopia. Lo mismo ocurre con la imagen en ralentí de los aviones estrellándose contra las torres gemelas; o bien las grabaciones distorsionadas y fantasmagóricas en video de los bombardeos sobre objetivos afganos: nos parecen irreales, imágenes virtuales que se entremezclan entre los pantallazos del zapping de partidos de la liga y canastas de baloncesto (1).

Albert Speer nace en Mannheim el domingo 19 de Marzo de 1905, hijo de una familia burguesa, padre arquitecto y madre proveniente de una acaudalada familia de comerciantes. Creció rodeado de sirvientes, bibelots y muebles de estilo, comprados en las Exposiciones Universales de París. Educado en colegios privados, estudia arquitectura, primero en Karlsruhe, luego en Munich y finalmente en Berlín, en donde se titula el año 1927, convirtiéndose casi inmediatamente en ayudante de Heinrich Tessenow, quien años más tarde, al ver el proyecto de escenografía realizado por Speer para la celebración del Primero de Mayo de 1933, le diría: ¿Cree usted que ha creado algo? Causa efecto, eso es todo. Ya en este decorado, obra muy temprana del Speer miembro del partido Nacional Socialista, y que se asemejaba a las velas de un barco pronto a zarpar, aparecen incipientemente las características que luego serán llevadas hasta el paroxismo en sus obras posteriores, esto es, el monumentalismo alegórico y los efectos lumínicos destinados a impresionar a un público deseoso de ser seducido por el espectáculo de masas.

Speer se transforma cuando contaba sólo con veintiocho años, en el arquitecto del führer, tras la muerte de Paul Ludwig Troost, arquitecto vinculado inicial y extrañamente con el grupo de la Deutsche Werkbund de Bherens, Olbrich, Paul y Gropius, pero que nunca alcanzó el nivel de éstos.

Desde allí en adelante Speer se convertirá en el vehículo mediante el cual Hitler canalizará todos sus delirios de arquitecto frustrado. Múltiples bocetos saldrían de la megalómana imaginación del führer: palacios, estadios, monumentos, salas de congresos, arcos de triunfo, todos proyectados de acuerdo a la particular Ley de la Ruina, propuesta por Speer y adoptada por Hitler, que pretendía otorgar la dignidad de los vestigios romanos a las ruinas de los edificios del supuesto imperio del tercer reich, cientos de años después de su decadencia y muerte; a esto corresponde la elaboración por parte del arquitecto de dibujos en los que los edificios, todavía ni siquiera construidos, aparecían semidestruidos, invadidos por la vegetación, tal como las ruinas romanas en los grabados de Piranesi.
Impresiona ver los planos y las maquetas de los proyectos de Speer para Núremberg, así como el gran plan para Berlín; impresionan las gigantescas maquetas a escala natural de parte de los edificios; impresiona también leer a Speer refiriéndose a ellos no como proyectos propios, sino de Hitler, en una especie de renuncia casi póstuma de su obra, reivindicando solamente para sí mismo la catedral de la luz; el resto de los proyectos fueron producto, según Speer, de la voluntad de Hitler de anunciar su deseo de dominar el mundo, incluso mucho antes de comunicárselo a su entorno más cercano. Se trata quizás de una especie de íntima reivindicación ante sí mismo, un rechazo a una arquitectura imposible de asimilar, de abarcar con la vista, imposible de habitar, un peso demasiado grande como para llevárselo al otro mundo. Es mejor viajar liviano.

Muchas veces se recurre al oxímoron de Nazi Bueno para referirse a Speer; difícil es creer que llegando a ser Ministro de Armamento de Hitler, no se enterase sino hasta el último momento, como él mismo declara, de los crímenes del nazismo. Si realmente su arrepentimiento es verdadero poco importa al enfrentar una obra que tiene un interés que, como hemos visto, va mucho más allá del puramente biográfico e histórico, revelando temas que son de impresionante actualidad: bien lo demuestra el debate surgido en su momento en torno al proyecto de recrear las torres gemelas de Nueva York a través de dos grandes haces luminosos, una especie de construcción inmaterial y traslúcida, imagen que evoca sin duda, la Catedral de Luz en el Zeppelin-feld de Núremberg, pero que a la vez despierta a los espectros que habitan en los vacíos ruinosos, terroríficos y sin sentido provocados por los sucesivos bombardeos de una guerra que parece no tener fin.

NOTAS
(1) Ver: La an-estética de la arquitectura, Neil Leach. Gustavo Gili, Barcelona, 2001.

_Ver también este este interesante artículo de Luis Fernández-Galiano en el suplemento Babelia del diario El País de España.

_Y este otro en el diario El Clarín de Argentina, respecto a la idea del 'nazi bueno'

_Mas información acerca de propaganda Nazi en este sitio

_Las imágenes, en su gran mayoría, provienen de este sitio

Proyecto Synco o como montar una internet socialista

2006-05-08T15:13:00.000+02:00

Aparece hoy en el sitio web de Boing boing un post acerca de una presentación realizada por Matt Webb en el Goldsmith College de Londres, en la que aparece mencionado el proyecto Synco, llevado adelante por el gobierno de Allende, para elaborar un sistema de control cibernético de las empresas productivas bajo el control de CORFO. Este sistema, impulsado por el entonces tri-Ministro de Economía, Hacienda y Secretaría General de Gobierno, Fernando Flores, y dirigido por Jorge Barrientos de INTEC (Instituto de Investigaciones Tecnológicas de Chile) y por Raúl Espejo de CORFO, contó además con la colaboración del científico inglés pionero de la cibernética moderna Stafford Beer. La imágen muestra la Sala de Control, que nunca llegó a estar operativa del todo, en el que aparecen unos sillones de control, que nos remiten a la silla Tulip de Eero Saarinen y a la estética futurista de la pelicula de Kubrik, "2001: Odisea del Espacio".
Algo de este proyecto apareció hace algún tiempo atrás en un interesante artículo del diario "The Clinic" . Sorprende, por lo desconocido, el nivel de desarrollo y de integración de las distintas disciplinas durante estos años, así como el impulso de las actividades vinculadas al diseño, con la creación de organismos específicos, como el mencionado INTEC, o bien la CORMU, a nivel de diseño urbano. Algo que aparece también de manera elocuente en el proyecto del edificio de la UNCTAD, que representa un paradigma en cuanto a construcción en acero y el uso de tecnologías constructivas, y para el que se diseñó además mobiliario específico y obras de arte de destacados artistas, sin mencionar el trabajo de diseño urbano realizado en el entorno del edificio. La dictadura militar se encargó de borrar todas estas valiosísimas iniciativas, que hoy en día estan siendo rescatadas del olvido por diferentes investigadores.
Un resumen muy interesante se puede encontrar en una ponencia realizada por Hugo Parmarola Sagredo en noviembre del 2002 en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Estudios Urbanos de la Universidad Católica, y que es posible de encontar aqui en formato pdf. Este sitio corresponde al diseñador Gui Bonsiepe, diseñador y profesor alemán de la HfG Ulm , escuela de diseño de corta vida pero definitiva influencia, y uno de los protagonistas del proceso que aquí sumariamente se explica, y que llegó a Chile el año 1968, contratado por el gobierno de Eduardo Frei Montalva, para trabajar en el SERCOTEC, para luego hacerse cargo en 1970 del Grupo de Diseño Industrial de la recién creada INTEC.
Es decir, nos encontramos en un período especialmente fecundo para el diseño, del que se desconoce gran parte, ya sea por omisión, ocultamiento u olvido, parafraseando el interesante artículo de Jorge Sepúlveda en su Blog.

p.d Lo de la "internet socialista" se refiere a un artículo del diario The Guardian

Acerca de la Pobreza

2006-04-27T15:18:00.000+02:00

He encontrado un post que habla acerca de la pobreza en África, y que representa, creo yo, una reflexión muy interesante respecto de lo que entendemos por pobreza en el contexto de las sociedades occidentales desarrolladas (y también en las 'en vias de desarrollo', si comenzamos a adoptar la jerga de los economistas). Cambiando el contexto, aquello que nos parece tan claro e irrefutable, se tambalea; y valga esto también para tantas otras categorías. Me parece un post notable.

Articulos que vienen

2006-04-21T15:51:00.000+02:00

Pareciera que tengo muy tirado el blog, pero entre el trabajo y otras cosas que he estado escribiendo, apenas he tenido tiempo para postear. En todo caso, adelanto, a modo de compromiso conmigo, un par de artículos a los que he estado dándole vueltas, y que espero postear muy pronto:
1. El primero tiene que ver con las Sinfonías de la Ciudad, una especie de sub-género dentro del cine documental de principios del siglo XX, que recoge a la ciudad como protagonista, para dar cuenta de una manera distinta de entender el cine, una nueva mirada más objetiva y abstracta, desde la cual se entiende la ciudad como una especie de máquina en movimiento. El más conocido de estos documentales es "Berlín: Sinfonía de una ciudad", de Walter Ruttman, de donde justamente surge el nombre del género. Otros títulos son: "The Man with the movie camera", de Dziga Vertov, "A propós de Nice" de Jean Vigo, "Manhatta" de Paul Strand y Charles Sheeler, "Rien que les heures" de Alberto Cavalcanti, entre otras.
2. El otro tema tiene que ver también con el cine, esta vez con "Ciudadano Kane" de Orson Welles, especificamente con su mansión Xanadú, que hace referencia a un poema de S.T. Coleridge, "Kubla Khan", y que nos permite hablar acerca de la construcción de un interior protegido como refugio frente a la ciudad moderna.
Es decir, temas hay, ganas tambien...solo falta el tiempo.
Bueno, eso a modo de adelanto y compromiso.

CRITICA Y APRENDIZAJE

2006-03-22T13:21:00.000+01:00

Para mí, la crítica es un medio para aprender, para adentrarse en las obras, una manera de entender el proceso creativo, una forma de comprender de mejor manera la obra, que es en definitiva lo que realmente importa; la crítica se debe a la obra y al conocimiento de ésta. La crítica requiere, en este sentido, de una orientación, de un vector positivo, por así decirlo, una dirección que le permita avanzar; aquella crítica circular y ensimismada es una crítica en la que no hay búsqueda, y sin búsqueda, no hay hallazgo.
Parafraseando muy libremente la teoría de la incertidumbre de Heisenberg, la verdadera crítica debe funcionar del mismo modo en el que operan los mecanismos de medición de las partículas: debe alterar los sistemas que son objetos de estudio, deben provocar una lectura diferente de la original. El resultado no es ni mejor ni peor que el sistema original, sólo distinto. Pero es justamente esta alteración la que provoca una nueva lectura, inexistente hasta la intervención del vector de crítica orientada.
La crítica debería funcionar entonces del mismo modo que operan las obras de arte, de acuerdo al famoso escrito de T.S. Eliot, ‘La Tradición y el Talento Individual’ (1920): “ Los monumentos existentes forman entre sí un orden ideal, que queda modificado por la introducción de una nueva obra de arte (realmente nueva) entre ellos. El orden existente ya está completo antes de que la nueva obra llegue; pero, para que el orden persista después de la adición de la novedad, todo el orden existente tiene que ser alterado, aunque sea ligeramente; y así se reajustan las relaciones, proporciones, valores de cada obra de arte respecto al conjunto; y ésta es la conformidad entre lo viejo y lo nuevo.” Fundamental es entonces la relación con la tradición, la producción artística acumulada, y la manera en el que las nuevas obras alteran la lectura de todas las obras precedentes; las preguntas son las mismas, las respuestas diversas; pero en esta repetición y en esta insistencia comienza a traslucir alguna pálida luz, alguna intuición. La crítica, tal como yo la entiendo, quiere recibir algo de esta pálida luz que emana de las obras, y si es posible, recogerla y materializarla en una nueva obra.

De arco a ARCO: La muestra chilena de Arco

2006-03-01T12:30:00.000+01:00

He tenido que sacar las fotos del catálogo que aparecían en este artículo, porque no pueden ser reproducidas sin autorización de CREAIMAGEN; ellos en todo caso, han tenido la delicadeza de avisarme, para que las bajara del Blog.

Hace ya varios días estaba por escribir este comentario, pero no me había podido hacer el tiempo. Pero finalmente, aquí va.
Arco se ha ido transformando con el tiempo en una de las ferias más importantes de arte contemporáneo del mundo, por detrás de las ya consolidadas Art Basel, la Documenta de Kassel o incluso la Bienal de Venecia. Arco a hecho un gran esfuerzo por posicionarse en el circuito de ferias internacionales, y al menos ha logrado ya una continuidad importante y un nivel de ventas que al parecer afirma entre los coleccionistas la idea que lo que se muestra tiene un cierto nivel.

Mónica Bengoa. sobrevigilancia. Mural de 9160 flores naturales de cardos teñidas. 4,45x11,78m. Galería Animal, Santiago, 2001

En este contexto, Chile se presenta a través de cuatro artistas, seleccionados por el curador-artista Camilo Yáñez, y dos espacios expositivos dispares: Ivan y Mario Navarro a través del centro Cultural Matucana 100, y Mónica Bengoa con Pablo Ferrer presentados por la Galería Animal. En el primer caso, se trata de un espacio cultural privado sin fines de lucro, de existencia reciente,
y en el segundo, de una galería comercial, privada, que ha hecho durante los ultimos años un esfuerzo importante por colocar el arte contemporáneo, chileno en su mayoría, en el pequeño círculo de coleccionistas nacionales.
Dentro de Arco, la muestra chilena aparece en un apartado llamado CityScapes, fuera de la muestra principal. Al parecer, el arte chileno contemporáneo ha encontrado un cierto lugar en este tipo de espacios, mas bien marginales dentro de las ferias, logrando un nivel de circulación a través de muestras colectivas, muchas veces gestionadas por los propios artistas. Una vez agotados los espacios expositivos nacionales (cosa que no es muy dificil de lograr: despues recorrer las pocas salas habituales y de llegar a exponer en el Museo Nacional de Bellas Artes, que espacio les queda?), los artistas tratan de entrar en los circuitos de arte internacionales, generalmente cerrados y herméticos, a lo que se suma el hecho que no existe una politica pública coherente y continuada de promoción del arte chileno, quedando todo en iniciativas puntuales de alcance más bien reducido. Recuerdo en este sentido, la muestra del videista chileno Juan Downey, en la Bienal de Venecia de hace algunos años, gestionada casi personalmente por la que en ese momento era la agregada cultural en Italia, Patricia Rivadeneira, y que se exponía en un lugar marginal respecto a los sitios de exposición principales, un lugar con el que algunos ni siquiera pudieron dar.
En definitiva, se trata de una muestra más bien heterogénea, pero que da cuenta de un cierto nivel de asimilación de los artistas de los lenguajes del arte contemporáneo mundial (o europeo quizás deberiamos decir). En este sentido, la obra se acomoda muy bien a las ferias internacionales, en incluso puede llegar a tener un cierto éxito comercial, ya que como he sabido, algunas piezas de la muestra de Arco fueron adquiridas por importantes coleccionistas.

Mario Navarro. 100 Revoluciones, 2005-2006. Fierro, latón, esmalte sintético, marcador permanente y motor eléctrico. 600x240x250cm. Buenos dias Santiago, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago.

Pero aparte de lo heterogéneo de la obra, hay ciertos elementos en los discursos de los artistas que se repiten; uno tiene que ver con un tema de medios, y el otro, con las influencias (Me referiré en estos puntos a las entrevistas de los artistas que aparecen en el libro 'Chile Arte Extremo. Nuevas tendencias en el cambio de siglo', un interesante libro de Carolina Lara, Guillermo Machuca y Sergio Rojas, disponible en formato pdf en este sitio) . Respecto a los medios, todos coinciden en destacar como ‘lo precario’ del medio artístico chileno, hace que las obras se planteen desde una cierta posición de ‘carencia’; es así como las obras se generan, a través de materiales que el artista tiene a mano; lo complicado de esta estrategia es que puede llegar a repercutir a veces en que la factura de la obra no sea muy fina.
Por otro lado, la mayoria de los artistas, exeptuando a Ferrer que es de la Chile, se formaron el la PUC y siguieron la especialidad de grabado; todos citan como grandes influencias a los profesores Eduardo Vilches y Eugenio Dittborn, quienes les permitieron trabajar con un gran cruce de medios, y les transmitieron conceptos tales como el desplazamiento conceptual desde la fotografía, entendida como grabado, hacia otros territorios plásticos. Resulta importante también, en este sentido, el los escritos de Ronald Kay y Justo Pastor Mellado, especialmente ‘El Concepto de Desplazamiento en el Grabado’.
Fue Mellado, junto a Mario Navarro, Cristián Silva (mono) y Mónica Bengoa, quienes formaron hacia el año 1994, el colectivo Jemmy Button, al que también se sumó Carlos Navarrete (Carlanga), que representó un importante referente para lo que en este momento estoy exponiendo, esto es, la inserción del arte chileno contemporáneo en los circuitos marginales del arte internacional; ejemplo de esto es la muestra curada por Mellado del colectivo Jemmy Button para la XI Muestra de grabado de Curitiba, Brasil, del año 1995.

Pablo Ferrer. Still life Nº4, 2002. Óleo sobre tela. 304x256cm.

Dittborn, Mellado, y el aun no mencionado Gonzalo Diaz, son nombres que se repiten constantemente a la hora de hablar de referencias, ya sea a favor o en contra, lo que no deja de ser curioso: generalmente las generaciones de artistas se alían con los abuelos en contra de los padres; en este caso, los hijos se unen o son validados por los padres para ser reconocidos dentro de un circuito, que a la larga resulta bastante reducido, como es el circuito de arte chileno. Sin desmerecer el excelente trabajo de Dittborn y Diaz, hecho de menos en los artistas chilenos la referencia a maestros mas de peso, fuera de lo local me refiero, maestros universales; estos son los referentes que resultan necesarios e imprescindibles, si no, nos quedamos en una suerte de repetición constante de temas, formas, discursos y textos que se miran unos a otros sin plantear un verdadero avance.

Ivan Navarro. Homeless lamp, the juice sucker. 2005. Tubos fluorescentes, ruedas, postes de luz en la calle, energía eléctrica. 100x130x70cm.

Es así como, desde mi punto de vista, la obra más interesante es la del artista Ivan Navarro, alejado ya de la sombra de los nombres recurrentes de la plástica chilena, radicado desde hace varios años en Nueva York, generando desde allí una obra, que sin dejar de dar cuenta de sus inquietudes originales, incorpora nuevas temáticas más en sintonía con su nuevo lugar de residencia; se trata de una obra más fresca, más lúdica, menos seria por decirlo de alguna manera, una obra en la que el constructivismo ruso se entremezcla con Flavin y con la ejecución tipo ‘maestro chasquilla’ tan típica de los paletas chilenos. Muy interesante resulta su muestra "Monuments" for D.Flavin, en la galería Roebling-Hall de Nueva York, del año 2004.

Ivan Navarro. El Maletín, cuatro ciudadanos norteamericanos muertos por Pinochet. 2004. Tubos fluorescentes, película duratrns, maletín, cuchillo y energía eléctrica. 40x40x40cm.

En el caso de Ferrer, fue alumno de Gonzalo Díaz, y fue este último quien lo invitó a exponer a Matucana 100, avalando su obra en el circuito interno. Siguió luego el peregrinaje que es relativamente común entre los artistas jóvenes chilenos, es decir, la sala Gabriela Mistral, la galería Muro Sur, algunos espacios en provincia, y finalmente, la Galería Animal. Quizás Ferrer es el que de manera más clara representa la metáfora que Yáñez plantea en el catálogo de la muestra de Arco, aquella del juego de arco a arco jugado a la distancia: Ferrer nunca ha estado en Europa, y su relación con las obras de arte ha sido a través de reproducciones, desde la distancia conceptual y física, una obra que pretende entrar en diálogo con una tradición pictórica, pero desde 'un espacio de restricciones', tal como señala el propio artista.
Bueno, por ahora dejemos hasta aquí estos comentarios. Yo creo que habrá que volver sobre algunos puntos, pero esta es una manera de plantear algunos temas iniciales.

Articulos nuevos en el sitio web de Ona

2006-01-18T11:31:00.000+01:00

Acabo de subir dos artículos en el sitio web de Ona Arquitectos , los encontraréis en la sección Las Impresiones.
Uno es el ya publicado en este blog respecto a la instalación de Sebastián de la Fuente, "Alquimia Urbana en los Márgenes", en versión PDF para poder imprimirlo.
El segundo es "Moradas pret-á-porter", referido a las relaciones entre intérieur, el revestimiento y la moda, publicado originalmente en catalán en la revista "El Contemporani", el año 2003. En este último artículo, trato de establecer de que manera la noción de refugio, originalmente asociado a la casa, se ha ido perdiendo, al transformarse la obra de arquitectura en una pieza más del mercado, perdiendo el sentido original de dar lugar al habitar protegido y resguardado.
Para esto, me remonto al siglo XVIII, al debate respecto a la cabaña primitiva, pasando por la casa-museo de John Soane, la idea moderna de la morada liberadora, la idea de revestimiento y su relación con la vestimenta.

Fin de año / fin del oficio....

2005-12-30T17:37:00.000+01:00

En el numero 12-13 de la Revista Neutra, del Colegio de Arquitectos de Sevilla aparece un interesante artículo de Félix de Azúa, "Arquitectos que producen una cierta melancolía". En él, Azúa habla acerca de lo innecesarios que resultan hoy en día los arquitectos; la arquitectura sería un "oficio en extición", ya que para llevar a término una obra sólo son necesarios ingenieros y aparejadores; los arquitectos resultan cada vez más prescindibles y economicamente inviables.

Los arquitectos han sido históricamente aquellos "expertos en los modos de habitar", y en este sentido, los grandes arquitectos son los que han sido capaces de inventar nuevos modos de habitar, algo que sin duda va más allá de crear formas espectaculares o estar al día en cuanto a los vaivenes de las modas.

Y sin embargo, esto no significa que estos arquitectos renuncien a poner en sus proyectos aquello que Azúa llama la "artisticidad" de la arquitectura, y que mas que una expresión de la personalidad íntima del artista y el efecto mediático de una fachada fotogénica, se trata de una arquitectura "anónima", y yo incluso añadiría "discreta", que es capaz de establecer un diálogo respetuoso y humilde con el contexto, con la topografía, con el clima, con la historia.

En palablas de Azúa: "Aunque suene muy raro en un tiempo de espectáculo y estrellas mediáticas, yo diría que buena parte de la mejor arquitectura que conozco pretende ser anónima".

Esto era entonces, una especie de "declaración de voluntad" muy personal para el próximo año, a través de la voz prestada de Azúa. Un saludo para todos y muy feliz año.

pd. ahora podeis dejar comentarios, ya que involuntariamente los tenía desactivados.

2005-12-13T16:35:00.000+01:00

Alquimia Urbana en los Márgenes
Acerca de la intervención urbana ‘Cordones (y Ganchos)’ realizada por Sebastián de la Fuente en la Plaza La Paz del Cementerio General, los días 3 y 4 de Diciembre de 2005.

La columnata de acceso al Cementerio General construye una puerta hacia el mundo exterior conformado por la ciudad de los muertos, en contraposición al mundo de los vivos representado por la ciudad.
La galería de acceso se transforma entonces en una especie de limes, un borde urbano que interesa en tanto conforma él mismo un entremedio.

La intervención de Sebastián de la Fuente utiliza como soporte este espacio marginal, una condición de marginalidad que además hace referencia a una historia acumulada, un pasado en el que el cementerio se encontraba en el borde de la ciudad, una ciudad que era entonces contenida, acotada, controlada y definida. Estamos pues en los extramuros, en un espacio en el que tiene lugar lo inesperado.

La muestra reúne una serie de objetos mínimos, cordones de zapatos y ganchos de ropa, encontrados en los alrededores del lugar de la intervención. Estos objetos se exponen a través de una estructura tripartita clásica de base, cuerpo y remate; la base está constituida por un marco en el que se incluye un texto que explica las circunstancias en las que fue encontrado cada cordón; el cuerpo mismo del montaje conformado por los distintos cordones; y finalmente el remate construido por el gancho, cuya forma alude a un frontón clásico.
Estos pequeños templos-retablos-altares-animitas se organizan a través de un recorrido a modo de vía crucis, con catorce estaciones o escenas, que a su vez remiten a los catorce arcos que conforman la galería.

El tipo de coleccionismo llevado a cabo por Sebastián, al que podríamos llamar coleccionismo mínimo, coge los objetos y los refiere a su máximo:

- La base, la historia mínima de las circunstancias de recolección de los cordones se transforma en un juego poético, adquiriendo el objeto en cuestión un nuevo significado:

“A la salida de la estación Cerro Blanco un hombre me pide dinero. A cambio del billete, yo le pido un cordón. Al principio me mira con desconfianza pero el rato accede a mi petición. Su condición: ‘dos billetes verdecitos y nos dejamos de huevear’. Le entrego los billetes agradeciendo la transacción.
‘Manuel Rojas, me dice, cuando quiera no más’.
Me guardo el cordón y por un momento soy parte de otra ficción”.

Manuel Rojas...me suena...será acaso el escritor de Hijo de Ladrón? El escritor que justamente se adentra en el mundo de la marginalidad y la pobreza?

- El cuerpo conformado por los cordones se refieren a un cuerpo ausente, a un vacío que se llena a través de una especie de rescate poético.

- Finalmente, el remate de ganchos de ropa a modo de frontón clásico. Lo mínimo (objeto cotidiano), referido al máximo (templo griego).

El trabajo se completa con la incorporación de ocho radios, ubicadas alternadamente en las distintas puertas de la galería, y que reproducen ruidos y grabaciones realizadas en los alrededores de la muestra, conversaciones con el nochero del cementerio o con el director, palomas, ruidos varios; se trata de un registro que se superpone a modo de overdub de la propia realidad, que resulta de esta manera amplificada.

Estamos en definitiva frente a un trabajo sutil y evocador, en el que el artista-demiurgo realiza una operación que yo denominaría Alquimia Urbana, una operación mediante la cual los fantasmas que habitan los márgenes se hacen presentes; como por ejemplo los fantasmas de los miles de muertos en el incendio de la Iglesia de la Compañía, en el año 1863, cuyo monumento ocupa el centro de la Plaza la Paz. Son los fantasmas de nuestra memoria.

Patricio Pinto.
Barcelona, diciembre de 2005

Blog de blogs....

2005-11-30T11:24:00.000+01:00

He incorporado a mis links el blog de mi amigo Claudio Galeno, arquitecto de la Universidad Catolica del Norte, Master de Historia y Teoría de la Arquitectura de la ETSAB, y compañero del doctorado en la misma escuela.
En su Blog hay un PDF acerca de la Arquitectura Moderna de Antofagasta.
Me lo leo y comentamos.

Clases a distancia

2005-11-28T15:55:00.000+01:00

Acabamos de colgar en el sitio web del despacho en que estoy trabajando en barcelona, una serie de clases que realizamos a la distancia en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Mayor, por invitación de Pilar Silva, profesora del curso de Introducción a la Arquitectura. Se trata de cuatro clases, realizadas por Pedro Ondoño, Miguel Ortel, José Quintanilla y yo.

Mi clase trata de realizar una breve introducción a la historia de la arquitectura chilena a través de la figura del arquitecto visitante y de los arquitectos viajeros.

Por ahora, visitad este link: www.onaarquitectos.com
En la sección Las Impresiones encontrarán los artículos.

Pronto trataré de ir publicando otras cosas.

Entre momentos cruciales y éxtasis místicos

2005-11-28T15:51:00.000+01:00

Por algún motivo surge la idea de crear un Blog: en mi caso especificamente, se trata de dar salida a algunas inquietudes relacionadas con el mundo de las artes en general, y de la arquitectura en particular. Sin ninguna pretensión mayor que la de dar cuenta de temas que me inquieten y que, desde mi punto de vista, merezcan una reflexión algo más estructurada, doy comienzo hoy a este diario.
El nombre hace referencia a los dos polos entre los cuales pretenden oscilar mis escritos: aquel de los momentos críticos y decisivos que se presentan en relación al ejercicio de la profesión, y el de la divagación propiamente tal, divagación que por momentos tiene carácter de éxtasis, y en el mejor de los casos, de epifanía.
El formato, los temas y la continuidad de este espacio sólo irán apareciendo con el tiempo, ya que, al igual que la arquitectura, esto de la escritura, es un oficio tardío, que se va construyendo poco a poco.

En todo caso, 'amo los comienzos......'